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Roots, material and identity

Born in 1992 and now based in Berlin after her studies at the Berlin-Weißensee School of Art, Linda Kettler turns materials into landscapes to explore. Her installations challenge the conventions of matter, opening new possibilities for relationships between body, object, and space.

In each of her works, technical precision coexists with a personal, emotional urgency, expressed in forms that are fragile and powerful at once.

MILAÏDE met her to talk about roots, material, and identity.

Between technique, instinct, and metamorphosis

Raised in the world of craftsmanship, with a father who was a locksmith and a grandfather who was a carpenter, Linda grew up immersed in the concreteness of manual labor.

“I used to play with leftover materials from their workshops” she recalls, fascinated by the tools, the sounds, and the raw textures that taught her to "think with her hands".

It was there that her vision began to take shape.

“I don‘t think I can think properly anymore”, from “Dementia is a losing game”.  Linda Kettler

The courage to choose beauty

Linda’s journey was at first shaped by the discipline of design: rigorous, problem-solving, focused on function. Each project had to have a purpose.

“I used to think art had to be useful before it could be beautiful. I was chasing technical perfection, the right solution to a real problem. But in the end, it wasn’t my own voice speaking.”

The turning point came in the Netherlands, at the Design Academy Eindhoven, when she unexpectedly chose the glass studio. A fragile, unpredictable material that forced her to rethink everything.

“That’s when everything changed. I realized I could begin with what fascinated me, with what I found beautiful. And that this didn’t diminish the value of my work — it gave it authenticity.”

“Glass found me”

Rubber, fabric, metal, clay, and glass: each material becomes her accomplice, antagonist, or partner in a dance.

“I don’t have a favorite material. I don’t want to be bound to one choice. I prefer to move freely. This flexibility shapes my projects and gives me greater freedom to explore.”

In her studio in Berlin, materials are never forced — they are explored and observed. Maybe glass, more than any other, has become a mirror of her identity: strong and fragile at once, silent, capable of both revealing and wounding.

“I’m calm, rather reserved, I don’t make noise… just like glass. I’m fragile and transparent, but inside there is strength. That’s why I see myself in this material.”

From this tension comes Gläserner Protest: a transparent glass balaclava that stages a dialogue between body and vulnerability.

“It’s like wearing something that would normally cover your face, but here it’s transparent. It can reveal a private, intimate side of yourself. And yet… what if the very protection you rely on could hurt you?”

This piece embodies the conflict between protection and exposure, safety and risk, turning the body into a site of fragility and resistance.

A generous Art

Many of Linda’s works emerge from deeply personal experiences.

Dementia is a Losing Game confronts painful themes such as dementia, the relentless passing of time, and the loss of connection with reality.

“At first, it was hard to bring such intimate emotions into my work. I thought: it’s too personal, others won’t understand. But I learned that starting from myself is the most sincere way to connect with others. If an emotion is authentic, it will resonate.”

Her artistic language is clear: shapes that find equilibrium, compositions that oscillate between stability and fragility, inviting contemplation in silence.

Staying in motion

For Linda, artistic research is a constant state of becoming.

Today she works primarily with glass but dreams of hybridizing it with clay or latex. Not a cage, but an open horizon.

“I want it to reach more people. Wearable pieces, like earrings, might be a way: small everyday sculptures that let you experience material in an intimate way.”

The capsule for MILAÏDE

Linda Kettler, in collaboration with MILAÏDE, has created a unique and limited collection of earrings — conceived as micro-sculptures, suspended between jewelry and art.

Each piece is not a mere accessory, but a fragment of story, a gesture that rests on the skin and comes alive with movement, with light, and with the person who wears it.

The shapes are organic and instinctive, as if they had grown naturally from the material itself. The glass, with its subtle sparkle born from the grains of sand within its own composition, becomes a perfect ode to matter — raw, fragile, and luminous.

The result is a constellation of soft, geometric forms — blurry, glimmering, tender — that seem to melt into the body rather than simply adorn it.

“I wanted to hide the earring clip as much as possible,” Linda explains, “to allow the glass to touch the skin in the purest, most direct way.”

This project reaffirms Linda’s belief that art should never be reduced to an object. Each creation remains an experience, a dialogue, a relationship — something that exists in the space between body, material, and emotion.

Just like her — delicate and powerful, silent yet radiant — her works transform matter into a universal language, capable of speaking to everyone who encounters them.

Authors: CLAUDIA BALLERINI - Vanessa NATALI

FRANÇAIS

Racines, matière et identité

Née en 1992 et aujourd’hui basée à Berlin après ses études à la Berlin-Weißensee School of Art, Linda Kettler transforme les matériaux en paysages à explorer. Ses installations bousculent les conventions de la matière et ouvrent de nouvelles possibilités de relation entre le corps, l’objet et l’espace.

Dans chacune de ses œuvres, la précision technique coexiste avec une urgence personnelle et émotionnelle, exprimée dans des formes à la fois fragiles et puissantes.

MILAÏDE l’a rencontrée pour parler de racines, de matière et d’identité.

From “Dementia is a losing game”.  Linda Kettler

Entre technique, instinct et métamorphose

Élevée dans un monde d’artisanat, avec un père serrurier et un grand-père menuisier, Linda a grandi plongée dans la concrétude du travail manuel.

« Je jouais avec les chutes de matériaux de leurs ateliers », se souvient-elle, fascinée par les outils, les sons, et les textures brutes qui lui ont appris à "penser avec les mains".

C’est là que sa vision a commencé à prendre forme.

Le courage de choisir la beauté

Le parcours de Linda s’est d’abord construit dans la discipline du design : rigoureux, orienté solutions, focalisé sur la fonction. Chaque projet devait avoir un but.

« Je pensais qu’une œuvre devait être utile avant de pouvoir être belle. Je poursuivais la perfection technique, la bonne solution à un problème réel. Mais au fond, ce n’était pas ma propre voix qui parlait. »

Le tournant s’est produit aux Pays-Bas, à la Design Academy Eindhoven, lorsqu’elle a choisi presque par accident l’atelier de verre. Un matériau fragile, imprévisible, qui l’a obligée à tout repenser.

« C’est là que tout a changé. J’ai compris que je pouvais commencer par ce qui me fascinait, par ce que je trouvais beau. Et que cela ne diminuait pas la valeur de mon travail — au contraire, cela lui donnait de l’authenticité. »

« Le verre m’a trouvée »

Caoutchouc, tissu, métal, argile, verre : chaque matériau devient son complice, son antagoniste ou son partenaire dans une danse.

« Je n’ai pas de matériau préféré. Je ne veux pas être liée à un seul choix. J’aime me déplacer librement. Cette flexibilité façonne mes projets et me donne plus de liberté pour explorer. »

Dans son atelier à Berlin, les matériaux ne sont jamais forcés — ils sont explorés et observés. Peut-être que le verre, plus que tout autre, est devenu un miroir de son identité : fort et fragile à la fois, silencieux, capable à la fois de révéler et de blesser.

« Je suis calme, plutôt réservée, je ne fais pas de bruit… comme le verre. Je suis fragile et transparente, mais à l’intérieur il y a de la force. C’est pour ça que je me reconnais dans ce matériau. »

De cette tension est né Gläserner Protest : une cagoule en verre transparent qui met en scène un dialogue entre le corps et la vulnérabilité.

« C’est comme porter quelque chose qui normalement cacherait ton visage, mais qui ici est transparent. Cela peut révéler une part intime, privée de toi-même. Et pourtant… que se passe-t-il si la protection sur laquelle tu comptes peut te blesser ? »

Cette pièce incarne le conflit entre protection et exposition, sécurité et risque, transformant le corps en un lieu de fragilité et de résistance.

Un art généreux

Beaucoup des œuvres de Linda émergent d’expériences profondément personnelles.

Dementia is a Losing Game aborde des thèmes douloureux comme la démence, le passage inexorable du temps, et la perte de connexion avec la réalité.

« Au début, c’était difficile de mettre des émotions aussi intimes dans mon travail. Je me disais : c’est trop personnel, les autres ne comprendront pas. Mais j’ai appris que partir de soi est la manière la plus sincère de créer un lien. Si une émotion est authentique, elle résonnera. »

Son langage artistique est clair : des formes en équilibre, des compositions qui oscillent entre stabilité et fragilité, invitant à une contemplation silencieuse.

Rester en mouvement

Pour Linda, la recherche artistique est un état permanent de devenir. Aujourd’hui, elle travaille principalement avec le verre mais rêve de l’hybrider avec l’argile ou le latex. Non pas une cage, mais un horizon ouvert.

« Je veux que mon travail touche plus de gens. Des pièces à porter, comme des boucles d’oreilles, pourraient être un chemin : de petites sculptures du quotidien qui permettent de vivre la matière de manière intime. »

La capsule pour MILAÏDE

En collaboration avec MILAÏDE, Linda Kettler a créé une collection unique et limitée de boucles d’oreilles — conçues comme des micro-sculptures, suspendues entre bijou et œuvre d’art.

Chaque pièce n’est pas un simple accessoire, mais un fragment d’histoire, un geste qui se dépose sur la peau et s’anime avec la lumière, le mouvement, et la personne qui la porte.

Les formes sont organiques et instinctives, comme si elles avaient poussé naturellement depuis la matière elle-même. Le verre, avec son éclat subtil né des grains de sable, devient une ode à la matière — brute, fragile, lumineuse.

Le résultat est une constellation de formes douces et géométriques — floues, scintillantes, tendres — qui semblent se fondre dans le corps plutôt que simplement l’orner.

« Je voulais dissimuler le clip de la boucle d’oreille autant que possible, pour permettre au verre de toucher la peau de la manière la plus pure et directe. »

Ce projet réaffirme la conviction profonde de Linda : l’art ne doit jamais se réduire à un objet. Chaque création demeure une expérience, un dialogue, une relation — quelque chose qui existe dans l’espace entre le corps, la matière et l’émotion.

À son image — délicates et puissantes, silencieuses et rayonnantes — ses œuvres transforment la matière en un langage universel capable de toucher quiconque les rencontre.

Auteurs: CLAUDIA BALLERINI - Vanessa NATALI